À la découverte des techniques artisanales d'exception à KyotoVisite exploratoire des ateliers d’artisanat traditionnel

Cet atelier de création de statues bouddhiques est dirigé par Kokei Eri, sculpteur de statues bouddhiques, et sa fille, Tomoko Eri, maître en kirikane. Kokei Eri a reçu le titre honorifique de « Grand Maître Sculpteur de Bouddhas » (Daibutsushi-gō), décerné par le Sanzen-in et le Grand Temple principal Ryūkō Tokujii. On dit que moins de dix sculpteurs dans tout le pays détiennent ce titre, et il est extrêmement rare qu’il soit accordé par plusieurs temples.
Dans l’atelier, on peut voir de près des œuvres en cours de fabrication, telles que des ranma (transoms décoratifs en menuiserie), des statues bouddhiques et des sculptures. Ces pièces permettent d’observer de très près la finesse du travail artisanal.

Les statues bouddhiques sont ornées de délicates décorations en kirikane. Cette technique ancestrale consiste à superposer six feuilles d’or, les fusionner à l’aide de braises, puis les découper en fines bandes pour former des motifs complexes, assemblés avec une précision méticuleuse. Utilisée depuis l’Antiquité pour magnifier la majesté des statues bouddhiques, elle est aujourd’hui préservée par un cercle très restreint de maîtres artisans.
La feu Sayoko Eri, désignée Trésor National Vivant pour le kirikane et épouse de Kokei Eri, a transmis ce savoir-faire rare et précieux à sa fille, Tomoko Eri. Même les motifs les plus fins, impossibles à dessiner à l’avance, sont réalisés à l’œil nu avec une régularité et une précision impressionnantes. Plus on s’en approche, plus on est émerveillé par la minutie de ce travail.
Outre les statues bouddhiques, l’atelier conçoit également des objets d’artisanat, tels que des accessoires pour la cérémonie du thé ou des paravents, contribuant ainsi à faire connaître la technique du kirikane.

Dans l’atelier, une statue de Minamoto no Yoritomo, sculptée par Kokei Eri, trône avec majesté. Cette œuvre a été réalisée à partir d’un cèdre japonais tombé, surnommé « Yoritomo Sugi », estimé à plus de 800 ans, qui se trouvait dans l’enceinte du temple Chiman-ji, dans la ville de Shimada, préfecture de Shizuoka. La statue s’inspire de la "Statue traditionnellement identifiée comme Minamoto no Yoritomo", conservée au temple Jingo-ji, et de la "Statue assise traditionnellement identifiée comme Minamoto no Yoritomo", exposée au Musée national de Tokyo.
Le décor de fond illustre les montagnes et les brumes d’Izu, finement réalisées en kirikane et en poudre d’or (sunago). Haute d’environ un mètre, cette sculpture impressionne par sa présence imposante et captive par la finesse de ses détails : la texture du bois, légèrement visible sous les couleurs appliquées, et les motifs délicats des habits semblent inviter à une sensation d'absorption.

Il existe un terme japonais, "Itto Sanrai". Cela signifie qu’à chaque coup de ciseau, l’artisan s’incline trois fois en signe de vénération, illustrant ainsi la profonde foi des sculpteurs de statues bouddhiques. Cette approche rapproche les sculpteurs de bouddhas des moines, plutôt que des simples artisans. Bien que les sculpteurs de bouddhas soient des créateurs, leur objectif est de transcender leur ego, selon Kokei Eri.
Dans l’atelier, situé près du Heian Jingu (sanctuaire Heian), les journées des sculpteurs de bouddhas et des maîtres kirikane se déroulent paisiblement, dans cette quête infinie de transcendance.

Fondée en 1894 et forte de 130 ans d'histoire, cette maison a produit de nombreux textiles, allant de la reproduction des étoffes précieuses du Shōsō-in et des célèbres tissus historiques, à des créations originales intégrant de nouvelles sensibilités. Elle a ainsi élevé le textile au rang d'œuvre d'art. La qualité exceptionnelle de ses designs a séduit des créateurs internationaux, qui les ont utilisés dans des créations de haute couture. La maison est également réputée pour ses rideaux de théâtre emblématiques, ses ornements pour les chars de festival et les sanctuaires, ainsi que pour ses tissus de kimonos, sans oublier les étoffes pour rideaux, robes et autres applications. Elle jouit d'une renommée inégalable.

L'usine de Tatsumura Textile se trouve à Karasuma, dans la ville de Kyoto, bien que l'entreprise possède également des usines dans les régions de Tango et de Shiga. C'est ici que des tissages de soie réalisés à la main sont produits à l'aide de métiers Jacquard. Le métier Jacquard, inventé par l'ingénieur français Joseph Marie Jacquard, a une histoire particulière au Japon : en 1873, la région de Nishijin, à Kyoto, a importé cette machine et sa technologie depuis la France, marquant le début d'une modernisation réussie qui a favorisé son développement. À l'usine de Karasuma de Tatsumura Textile, plus de 30 métiers Jacquard sont alignés, produisant des tissages de soie aux motifs complexes et raffinés.

Tatsumura Textile repose sur deux principes fondamentaux : l'originalité et la restauration, des valeurs transmises depuis la première génération par Heizō Tatsumura, le fondateur. Ce dernier est reconnu comme un pionnier de la restauration des textiles anciens, ayant recréé des tissus célèbres tels que ceux de Shōsō-in ou d'autres textiles historiques réputés. Parmi ses œuvres emblématiques figure le tissu "Sōunji Bundai Gire", une reproduction du tissu ornemental de la boîte de pierre à encre conservée au temple Sōunji, affilié à l'école Rinzai Daitokuji du bouddhisme. Ce tissu a même attiré l'attention de Christian Dior, qui l'a utilisé pour des robes, et il reste aujourd'hui l'une des créations phares de Tatsumura Textile, toujours très prisée.

Cet automne, l'actuel président a pris le nom de Tatsumura Heizō V, perpétuant ainsi la lignée. Bien que l'esprit transmis depuis la première génération reste inchangé, chaque génération a ses propres préférences. Le deuxième Heizō était marqué par le nationalisme, le troisième était fasciné par la culture française, et le quatrième s'intéressait à la culture namban. Quant au cinquième Heizō, il met en avant "l'ouverture et la vitalité de l'esprit japonais". Une nouvelle page de l'histoire s'écrit pour ce tisseur emblématique, l'un des plus anciens et prestigieux de Kyoto.

Fukudaki (Institut d'artisanat et de recherche en teinture et broderie Fukuda) a été fondé en 1927. Cet atelier assure la production complète de tissus pour kimonos, intégrant la teinture, la broderie et l'application de feuilles d'or. Alors que la production de kimonos à Kyoto repose généralement sur une division du travail entre artisans spécialisés, le précédent maître, Kiju Fukuda, reconnu comme Trésor National Vivant et premier distingué dans le domaine de la broderie, a élargi son champ d'expertise en intégrant la teinture et l'application de feuilles métalliques dans ses créations. Cet esprit d'unification continue d'être perpétué dans l'atelier à ce jour.

Les nuances de teinture de Fukudaki se distinguent par une subtile singularité, marquées par des dégradés doux qui évoquent une impression d’air et de profondeur. Kiju Fukuda décrivait le Japon, pays riche en eau, comme une "nation de la culture de la vapeur d’eau", cherchant à reproduire sur les tissus les dégradés inspirés par la brume. Cette vision continue aujourd’hui de servir de fondement aux magnifiques dégradés propres à la teinture de Fukudaki.

Les teintures s’approfondissent au fil de leur lent séchage, un processus délicat où le vent, comme celui des climatiseurs, est considéré comme un ennemi redoutable. Ainsi, même pendant les périodes étouffantes de l’été, aucune climatisation n’est utilisée. Les artisans travaillent dans un atelier fermé, affrontant la chaleur accablante. À Kyoto, où les étés sont à la fois chauds et très humides, ces conditions permettent aux teintures de sécher lentement et naturellement. "Nous avons sans doute appris à intégrer notre environnement dans notre façon de créer", explique Yoshiyuki Fukuda, directeur de l’atelier.

Les variations de température et d'humidité influencent l'apparition des couleurs, si bien qu'aucune teinte ne peut être reproduite à l’identique. Une fois la teinture achevée, le motif est décidé en fonction de la couleur obtenue. "Nous adaptons les motifs à l’espace pour mettre en avant la beauté de la couleur", expliquent-ils. Chaque détail est soigneusement pensé pour que la couleur de fond, les motifs et la broderie se mettent mutuellement en valeur dans une harmonie parfaite.
La broderie, quant à elle, ne repose pas sur des instructions rigides. Une grande part du travail s’appuie sur l’instinct et l’œil exercé des artisans, qui avancent en tenant compte de l’équilibre global de l’œuvre. Avec plus de 20 000 nuances de fils à leur disposition, ils expriment lignes, surfaces et volumes à travers des techniques variées. Par rapport au style éclatant du Kyō-Yūzen, cet art semble plus sobre et épuré, mais il ne paraît jamais insuffisant. Cela s’explique par la puissance expressive des couleurs et la profondeur que la broderie confère aux motifs, leur donnant une véritable dimension tridimensionnelle.

Dans l’atelier de Fukuda, l’attention portée à la création des couleurs est remarquable, mais reproduire exactement les mêmes teintes qu’auparavant n’est pas une priorité. "Les gens d’aujourd’hui, peut-être à cause du temps qu’ils passent devant les écrans, semblent préférer des couleurs lumineuses et transparentes, mais ces teintes ne s’accordent pas toujours avec les motifs classiques," expliquent-ils. En observant à la fois les préférences des amateurs de kimonos et le mode de vie contemporain – à travers les vêtements, le maquillage ou les teintures capillaires –, l’atelier ajuste ses couleurs pour refléter les sensibilités actuelles.
En plus de cette approche flexible de création, Fukudaki s’efforce également de renforcer sa communication. Récemment, une partie de l’atelier a été rénovée pour faciliter les visites. Tout en préservant les idées, les techniques et la singularité héritées d’un prédécesseur d’exception, l’atelier poursuit une évolution constante et adaptée aux exigences de son époque.

Fondé en 1818, Hiiragiya est un ryokan emblématique de Kyoto, riche de plus de 200 ans d’histoire. Ce lieu prestigieux a accueilli des aristocrates, des membres de la famille impériale, des personnalités politiques et des figures culturelles. L’établissement se compose d’un bâtiment ancien en bois, construit dans le style sukiya, et d’une aile moderne achevée en 2006. La partie la plus ancienne du bâtiment remonte à la fin de l’époque Edo, avec quatre chambres encore préservées aujourd’hui.
Au fil des époques, de l’ère Meiji à Taishō et Shōwa, des travaux d’agrandissement et de rénovation ont été entrepris. Une promenade dans les couloirs de l’auberge permet de ressentir le charme unique de chaque époque, perceptible dans la hauteur des plafonds, la disposition des pièces et le travail des menuiseries.

Le bâtiment moderne s’intègre harmonieusement à l’ancien, tout en adoptant une vision tournée vers les générations futures. Tandis que l’ancien bâtiment évoque une atmosphère imprégnée de la beauté traditionnelle japonaise, de spiritualité et de profondeur historique, le nouveau bâtiment offre un espace lumineux et ouvert, alliant confort moderne et respect de la tradition. Ensemble, les deux bâtiments incarnent la philosophie de Hiiragiya, "Raisha nyo ki" (que vous puissiez vous détendre comme chez vous), créant une atmosphère de sérénité et de tranquillité.

Les portes coulissantes shōji,les transoms décoratifs en menuiserie ranma et les alcôves tokonoma sont réalisés avec un savoir-faire exceptionnel, chacun méritant d’être admiré en tant qu'œuvre d'art artisanale. Parmi ces réalisations, il convient de souligner le plancher conçu par Kiyotsugu Nakagawa, maître du travail du bois et Trésor National Vivant. Utilisant le cèdre sacré de Chōkaisan, il a soigneusement assemblé les grains droits de plusieurs planches de bois pour former des motifs en yabane, rappelant des plumes de flèches, dans un style proche de la marqueterie. La réalisation de cette pièce a nécessité un an et demi de travail.

L'auberge traditionnelle a pour mission de transmettre la culture et de former ses futurs héritiers, comme le souligne l'hôtesse, Mme Nishimura. Le bâtiment moderne comprend non seulement des chambres, mais aussi trois espaces communs et un grand hall, utilisés pour des réunions et des événements. Même les non-hôtes ont l'opportunité de s'immerger dans cet espace qui condense l'essence des métiers d'art traditionnels, et d'y entrer en contact.